El deseo como un motor de la creación documental

“Mi primera impresión fue que en el grupo había mucha voluntad y deseo puesto ahí, que es lo más importante”, dice Hernán Khourian a pocos días de su primer encuentro con los realizadores que participan del Laboratorio Audiovisual de Documental de Creación organizado por Señal Santa Fe, donde se desempeña como tutor. Desde ese rol, el experimentado docente y realizador entiende al Laboratorio como un espacio de formación y experimentación que ofrece “un marco temporal distinto al que puede darse en un ámbito privado (residencia, festivales, pitchings) con tiempos restringidos, en donde las propuestas por lo general no se elaboran madurando las etapas sino ajustándolas al circuito”.

“Por eso están las universidades, o el Estado a través de este laboratorio, tratando de profundizar lazos con películas, documentales, que intentan encontrar su identidad –remarca--. El Laboratorio me parece un proyecto muy potente, necesario y claro, brindando la posibilidad de que los proyectos profundicen sus miradas, sus lugares, sus puestas en escena. Rastreando una idea de mundo que tiene que ver con cierta personalidad, que cada proyecto debería indagar. Es muy interesante que esa fuerza esté jugada en un entorno específico, que es Santa Fe, que es Rosario, pero que en realidad cada proyecto tiene su identidad, que excede lo geográfico. Y me parece fundamental que esto se haya pensado para desarrollarse durante todo un año. Eso es especial, la particularidad de pensar problemáticas específicas de cada proyecto, en el transcurso del tiempo, y con la vitalidad de estar preguntándose, explorando. El transcurso del tiempo, más que respuestas (que es posible que alguna obtengas), te da lugar a las preguntas que tienen que cimentarse en cada proyecto. Un proyecto que no tiene preguntas va a ser más limitado y sin deseos. Preguntas en el sentido no sólo sociológico, político, antropológico, sino también investigaciones ligadas a la intuición, lo emotivo, lo estético. Eso es un poco lo que empezás a desafiar en relación a las imágenes y el sonido, cómo armar un sistema con tu propio alfabeto o jeroglíficos”.

Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata (ciudad en la que nació, en 1972), Hernán Khourian completó su formación con el Master en Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra (Barcelona, España). Su recorrido como realizador y docente es extenso, e incluye becas y premios a nivel nacional e internacional. Entre sus obras se cuentan los documentales Áreas (2000), Las sábanas de Norberto” (2003, financiado por la Jan Vrijman de Holanda), Puna (2006), Esplín o errar o sin embargo (2007), Memoria (2010) y Los silencios y las manos (2014). En 2009 realizó nueve capítulos de la serie Huellas de un siglo producidos por la TVPública con motivo del Bicentenario, y estuvo a cargo además de la realización de los Cortos del Archivo producidos por el Archivo Prisma (http://www.archivoprisma.com.ar/cortos-del-archivo/). Como docente, se desempeña en las universidades Nacional de La Plata, del Cine y Nacional de Tres de Febrero. Además es titular del Taller de Realización de la carrera de Artes Audiovisuales de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. A partir de ese recorrido, Khourian entiende que el género documental debe necesariamente estar atravesado por los interrogantes y, además, por la identificación de ciertos límites: “Si bien en este caso trabajaremos en un Laboratorio de Documental de Creación, me parece que lo interesante, ligado al cine de lo real, plantea la dificultad de que pensando las propuestas como algo abierto, todo puede ser cine o en todo caso, donde están esas imágenes que buscamos para nuestros proyectos. Una idea ligada a un cine de ensayo, un poco esas son las dificultades: los límites se corren, pero creo que siempre hay que traerlos lo más cercano posible construyendo imágenes propias, para intentar elaborar imaginarios propios”.

- ¿Cuál creés que es el límite de lo real? O, en todo caso, ¿cuál es el límite del trabajo sobre lo real?

- Ninguno, me parece que las limitaciones siempre son nuestras. Si hablamos de que el cine es igual a política, o que todas las imágenes son políticas, de que cualquier imagen es un recorte de aquello que vemos, obviamente uno elige algo y es tan importante lo elegido como lo que deja afuera. Me parece que más que hablar de limitantes, tiene que ver con qué decisiones estás tomando, armar un sistema, un programa. Cada proyecto puede definirlo, esa es la libertad de un proyecto creativo, qué cuestiones te interesan y cuáles dejaste afuera. En esas decisiones también está lo que se muestra y lo que se oculta. Uno trabaja con imagen y sonido, con los otros, entonces me parece que ahí cada proyecto se define en su propio terreno planteado como un imaginario, en su propio desplazamiento y vinculaciones. En una distancia justa. En ese sentido me parece que cada proyecto debe recorrer determinadas preguntas y en esa superficie fértil se impregnan las necesidades del proyecto. Por eso, más que sus limitaciones, cada proyecto tiene que encontrar sus necesidades. Cada proyecto puede imaginar distintas formas y estructuras vinculadas al cine de lo real y a la observación, algunas pueden ser más lineales o no, o descriptivas, o de índole más poética y evocativa. Creo que los procesos son fundamentales. Uno plantea un punto de partida, pero no se sabe hasta dónde va a llegar. Eso me parece fundamental, desconocer donde vamos a llegar. En los proyectos me parece que hay que tener una actitud abierta, anti-industrial en algún punto, que tiene que ver con no esperar resultados de dichos procesos.

- Esto da la pauta de que es imposible definir hacia dónde irán los cuatro proyectos que se desarrollarán en el Laboratorio. A partir de esa visión que planteás, lo que sí es posible preveer es que serán cuatro documentales con identidades definidas, que escaparán a formatos preestablecidos.

- Sí, me parece que hay darle lugar a que el tiempo haga su trabajo. Acentuar y tomar conciencia, madurez a la observación de esos procesos, tener paciencia, detenerse y volver a empezar todo el tiempo, ese es un ejercicio: olvidar lo aprehendido, mente de principiante dicen los budistas, tanto para los que tienen experiencia como a los que no. Me parece que hay que tratar de hacer cosas mucho más simples en ese sentido y al alcance de la mano, estar atentos a los cambios. Como coordinador uno tiene que hacer un seguimiento, ser un observador atento de ese movimiento.

- El año pasado, en el marco del Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires FIDBA, dictaste el seminario “Rupturas en el cine de no ficción”. ¿Qué caminos vislumbrás para lograr esas rupturas?

- En mi formación, cuando era estudiante, estaba fascinado con la primera y segunda vanguardia, dadaístas, Duchamp, surrealistas, con Fluxus, John Cage, toda la segunda vanguardia. Me parece que las rupturas están muy ligadas a esos movimientos que tienen un contexto determinado. De aquello me interesaba es la idea de proceso. Pensar la obra ligada a un proceso y tomar conciencia de ese proceso a través de la experiencia. En relación a la ruptura me parece que también ese seminario hablaba de cuestiones que tienen que ver con no dar las cosas masticadas, correrse de ciertos lugares. Cuando uno dice no crear bajo sistemas industriales “dominantes”, significa que cada proyecto tiene que tener su propia dimensión, su sensibilidad, su vínculo con lo desconocido.¿Por qué cerrarlo a estrategias o etapas controladas? Me parece que ni los materiales, ni las etapas, se pueden tomar como algo que viene por default, por automatismo, sino que hay que problematizarlos. Por lo menos mi rol de docente siempre va por ahí. Un poco la propuesta ligada al Laboratorio tiene que ver con plantear etapas abiertas, con propiciar una apertura a lo real, con estar pensando un vínculo con el mundo que no se puede definir de una sola manera y para siempre, que no tiene que ver con el alquiler de equipos sino con un dominio de la técnica si se quiere ligado a lo artesanal y no a lo industrial. Porque uno modela con la mano lo que la máquina no puede terminar. Y ahí empieza a aparecer esta idea de un cine trabajado por el tiempo, que necesita buscar sus afinidades, desafinar los instrumentos para volver a afinarlos, encontrar determinados tonos, variaciones. Es complejo, por eso cuando partimos de la idea de ruptura, ese seminario involucraba seguir trabajando esa idea: para construir hay que destruir.

- Si bien a partir de lo que venimos hablando no es posible definir aún hacia dónde irá cada uno de los proyectos del Laboratorio, ¿qué aspectos te interesaron de estas propuestas?

- Me parece que la elección de estos candidatos, de estas personas, tenía que ver con encontrar cierta vitalidad. La convocatoria plantea también esta cuestión germinal de tratar de pensar los proyectos en todos los procesos sin separar las etapas en campos cerrados, sino que se graba, se edita y se vuelve a grabar en todas las etapas y así se nutren de un proceso) , tratar de generar una experiencia para encontrar una metodología de trabajo. Para eso se necesita que los proyectos participen atentamente, que estén abiertos a sus grietas, estar preparados para que sucedan determinados procesos que uno tiende a cerrar por temor o dudas, y que en definitiva son partes esenciales del recorrido. Eso estaba latiendo en los proyectos ganadores, y una vez que conocí a tod(x)s me pareció que hay una gran sintonía con esto, una tensión y una curiosidad sobre lo que suceda en este proceso.